Video kann beliebig viele Lügen erzählen. Und es kann auch unerwartet die Wahrheit einfangen. Wenn man dies versteht, wird der Grad der Unsicherheit in dem, was wir sehen, ebenso deutlich wie die Mehrdeutigkeit unserer Wahrnehmungen und Erinnerungen. Im Werk von Naho Kawabe, einer Künstlerin, die mit Videos zu arbeiten begonnen hat, haben wir manchmal das Gefühl, dass es keine Grenze zwischen Wahrheit und Lüge gibt.

In Kawabes Videoarbeit „Sugarhouse“ aus dem Jahr 2004 beispielsweise ist das erste, was wir sehen, ein vollständig weißer Bildschirm, der nichts zu enthalten scheint. Aber nachdem rotes Wasser in den Raum gegossen wurde, werden die Formen, die tatsächlich da sind, allmählich deutlich. Gerade als wir beginnen, das Gesamtbild zu erfassen, löst sich ein Haus aus Zuckerwürfeln allmählich in dem roten Wasser auf. Laut Kawabe “ist es eine Art Vandalismus, etwas Unsichtbares in etwas Sichtbares zu verwandeln, und unser Blick ist mit der Gefahr behaftet, das Thema zu verändern”. Kawabe deutet hier die Gewalttätigkeit eines Blicks an, aber wenn wir uns überlegen, warum die Dinge, die zusammengebrochen sind, überhaupt da waren, erkennen wir, dass das Werk auch das japanische Familiensystem in Frage stellt. „Wash Your Blues“ (2007) ist eine vierminütige Videoarbeit, die das stereotypem Tierverhalten eines Eisbären im Zoo zeigt. . In Anlehnung an das Schlagwort für das amerikanische Antidepressivum Prozac, “Wash Your Blues Away”, zeigt die Arbeit den Bären in ständiger Auf- und Abwärtsbewegung, während die umgebende Wasserlache allmählich von blau nach weiß gebleicht wird. Für den Bären könnte die Szene einer liebevoll erinnerten Landschaft ähneln. Während die Arbeit die dunkle Seite einer lebenslangen Bildungseinrichtung wie eines Zoos suggeriert, könnte die Welt, wenn wir uns in die Lage des Bären versetzen, einerseits blendend erscheinen, nachdem der Blues (die Depression) verschwunden ist, andererseits aber auch leer und eintönig erscheinen.

Kawabes Werke enthalten einen Mechanismus, der unsere Sehkraft und unser Gedächtnis stört. Es handelt sich dabei nicht einfach um eine Falle, die uns verwirrt, sondern um etwas, das notwendig ist, um uns zu konfrontieren und uns die geschäftigen Empfindungen wahrnehmen zu lassen, die sich im gewöhnlichen Leben verbergen. Kawabe hat diesen Trick während ihrer gesamten Karriere in ihren Videos, Installationen und Kunstobjekten gekonnt eingesetzt. Zum Beispiel in der Installation „Cosmic But Unfair #2“, die 2011 in der Shiseido Gallery gezeigt wird, führt ein Gerät, das unsere Augen täuscht, dazu, dass wir uns zwischen dem Unsichtbaren und dem Sichtbaren hin und her bewegen. Der Ansatz ist in beiden Werken Kawabes mit und ohne Lichtquelle derselbe. Für das 2012 entstandene Werk We Are the Strangers! schnitt die Künstlerin zahlreiche Erwähnungen des Ich-Personen-Pronomens “I” aus einer englischen Ausgabe von Albert Camus’ Roman Der Fremde aus und verband sie mit einem Faden miteinander. Losgelöst vom Kontext schweben alle diese “Ichs” frei. Obwohl sich die meisten von ihnen wahrscheinlich auf den Protagonisten des Romans, Meursault, beziehen, regen sie uns an, über das “Ich” und das “Wir” nachzudenken, während sie sich auf die Gesellschaft mit ihren gelegentlich wechselnden Aspekten beziehen.

„Optiker“, der im Gussbetonlager des Museums ausgestellt ist, entwickelte sich aus Kawabes Einsatz von Kugeln, der 2011 begann. Die kleinen hängenden Kugeln werden mit zwei Scheinwerfern in verschiedenen Farben beleuchtet. Die Kugeln erinnern an Wolken, Atomstrukturen, Himmelskörper im Raum oder vielleicht sogar an Menschen, und aus nur einer Richtung sehen ihre Schatten wie Buchstaben aus, die an die Wand projiziert werden. Die Neige des Menschen bezieht sich auf einen Satz aus Walter Benjamins Einbahnstraße, in dem der Schriftsteller die Blicke mit menschlichen Überresten vergleicht. Dies deutet sowohl auf unsere eigene Erfahrung beim Betrachten des Werkes als auch auf eine zynische Sicht des menschlichen Blicks hin, der niemals neutral sein kann, wenn es darum geht, Buchstaben zu erfassen oder Schatten wahrzunehmen. Selbst wenn eine Person eine Sprache sieht, die sie nicht kennt, kann sie die Punktfolge als Schrift identifizieren. Dies wirft die Frage auf, was das Schreiben vom Nichtschreiben unterscheidet. Obwohl unsichtbar, erkennen wir die Existenz dieser “Grenze” oder “Linie”, die von sich aus existiert. Kawabe drehte ihre einzige Videoarbeit in dieser Ausstellung, „Pendule des Pyrénées (Pendel der Pyrenäen)“, indem sie ihre Kamera in der Nähe der Grenze zwischen den spanischen und französischen Pyrenäen aufstellte, den Bergen, die Benjamin zu besteigen versuchte, um am Ende seines Lebens die Grenze nach Spanien zu überqueren. Obwohl es keine sichtbare Trennung oder Veränderung der Landschaft zwischen den beiden Ländern gibt, hatte die Linie die Macht, Menschen zu behindern und ihr Leben völlig zu verändern. Andere Werke wie “Horizon Never Lurches”, das der Form eines Spitzenvorhangs nachempfunden ist und mit zerstoßenem Kohlestaub hergestellt wurde, und “Flowers and Borders” werfen ebenfalls Fragen zu Grenzlinien auf.

Schließlich ist “Expurgation” ein Werk, das sich aus Seiten zusammensetzt, die aus verschiedenen Büchern entfernt wurden und in denen Buchstaben und Diagramme mit Isolierband überklebt sind. Angesichts der jüngsten Ereignisse im Zusammenhang mit der Bedrohung durch verborgene Informationen, die wie ein Rückfall in eine frühere Ära erscheint, verwendet Kawabe eine physikalische Technik, um zu fragen, warum Schrift, die existieren sollte, unsichtbar geworden ist. Das dünne Papier unter der Schrift, das in Metall versiegelt ist, erzeugt ein zusätzliches Gefühl von Gewicht und Vorzeichen. Im starken Licht hell leuchtend, durchdringt das Werk unsere Augen und fragt, was wir sehen können und was nicht, und wer wir sind.

in: In Search of Critical Imagination, Fukuoka Art Museum, 2014